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短歌とライブ3


現代の日本人が「短歌ライブ」という名目を見たとき、どんな気持ちになるか? ライブを開くに当り、それがぼくらの第一のチャレンジであり、楽しみでもあった。

何かしら感懐を持つだろうが、はっきりとイメージを持つ人なんかは居るはずがない。そう予想が立つ。おそらく、見当もつかない。それにも関わらず、そもそもライブに来てくれるものだろうか? そんな不安を抱きながら、リハーサルを積んだのであった。ジャンルの違う3人のメンバー。そこで力学が働いた。

聴衆を惹きつけるプログラム、厭きさせないプログラム、裏切らないプログラム、そういう意識が演者には働く。音楽が趣向をこらし、変化の波を入れ込み、ピークを考えて構成を組む。

短歌をリハーサルで読みながら、一気に読み下すのではなく、韻律を元に演劇のように間を取ること、それが自然に導入された。

そもそも短歌には五七五七七の31音のなかに、しばしば切れというものがあり、加えて休止というものもあり、それが読みに韻律を与えている。例をあげてみよう。

 予てから願ひつることとろとろと夢のなかにて死んでゆくこと
                       知哲
例えば、この歌を口語のように一気に読み下してみると、なんとも息苦しく、韻律の妙がなにも発揮されないことが分かる。なぜか? 
中ほどの、とろとろと、で切りというものを入れてみる。切りとは大きな休止と考えてもらえばよい。この場合、文法上は切れてはいないのであるが、大きな休止という意味で切ってみる。
 予てから願ひつることとろとろと 夢のなかにて死んでゆくこと

その上で、今度は小休止を入れてみる。初句の後に。
 予てから 願ひつることとろとろと 夢のなかにて死んでゆくこと

なおその上で、結句の最後ゆくことのあとに、大休止を入れるのが私のライブでの読み方となった。意識的に大休止をいれるのである。それは、誰にもわからないのではなく、誰にも分かってしまうものなのである。
そして、演劇的な読み方と最初に言ったのは、例えば「とろとろと」のあとの大休止は、ゆっくり3呼吸したあとで、おもむろにやや抑えた声で、「夢のなかにて死んでゆくこと」と極めてゆっくり読むことであった。

このように一首一首、韻律の力を最大限に出すことが、つまりわたしのリハーサルであった。ピアノも打楽器も、それぞれが3人3様のチャレンジをした。

ただ、この人間の声による朗読の密度を考えたときに、50首という長丁場は、聴衆にとっていかにも重苦しいのではないかという意見が出た。まさにその通りであろう。その結果、最後の10首はラップで読もうということになった。
最後に軽みを入れて、ライブ終了後に、気持ちを明るく軽く持ってもらう仕掛けとした。

なお、残り40首の密度の濃い時間をどう救済するかに腐心した。途中休憩を入れるとしても、詩を長時間聞き続けることの重さを思い、フリをいれることになった。

 同い年ほどの隣のおじさんが庭でiPod聴ひてるかなり悔しい

例えばこの歌では、歌の途中ごろに、会場の袖から、iPodを手に持って、耳で聞いているおじさんが出てくる仕掛けにした。わたしとおおよそ同年代である必要もあった。袖から急に人が出てきて、音楽にのって身体を揺らしたりしながら、聴衆の前を横切ってくのである。聴衆は最初あっけに取られるのが常であるが、すぐに歌との関連に気づいて、笑い出すのだ。気持ちがほぐれてリラッククスする。じっと緊張して集中するだけではないという、ちょっとしたヒントの提示。笑って和むのである。

このようなフリが随所に挿入されて、ライブの回を重ねるごとに増えていった。特に受けの良いフリは、定番として定着していった。そして、ではいっそ聴衆にも働きかけるフリにしようと生まれたのが、次の歌のフリである。

 ふんはりと天使来たりて各々の肩にちひさく触れて行きたり

この歌の前には演者から聴衆に向かって、「次の歌は目を閉じてお聞きください。」と予告がなされる。わたしが歌を読み始めると、メンバーの作った天使棒という、綿を先端に付けた棒を持って、静かにメンバーが、あるときは決めてあった聴衆の数人が、会場を回って人々の肩に触れて行くのである。まるで、天使が肩に触れて行くように。その間、天使降臨に似合うチャイムが静かに鳴り響くのであった。

初めて肩に何かしらが触れると、聴衆はびくっとするのであるが、数瞬遅れて、歌との関連が意識され、身を任せるように、ほとんどの聴衆が身体の力を抜くのが通例であった。ライブの短歌も音楽も仕掛けも、その場にしつらえられたものを受容しようとする、それぞれの仕方で。

受容といえば、初めてライブに来てくれた聴衆(次第に聴衆というより観客に変わってきたようにも思うけれど)の、受け取り方もみな見事に違う仕方、それぞれの仕方であったように思う。

一人の女性は、ライブの開始後すぐに目を閉じて聞き始め、最後まで目を閉じて聞いていたと言った。一首一首が、美術館の絵を次々に見るように変わっていったというのだ。

ライブには、ワインかソフトドリンクを片手に、という趣向を入れてある。最初のライブでは目を閉じたまま、小さな声を一首一首に出してくれる聴衆が数人居て、それが演者との呼応となって、わたしには大きな励ましであった。不思議なものだ。自分がステージに立って初めて分かることが、さまざまあるのであった。ライブは、聴衆・観客との呼応・相互作用であった。
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by Achitetsu | 2007-10-30 21:22 | 短歌論

斎藤茂吉 歌集「白桃」 1

歌集「白桃」は、斎藤茂吉の第五歌集である。

昭和8年から9年にかけて詠まれた1017首が収められている。茂吉52歳、53歳に当たる。
年ごろがおよそ似通って居るゆえに、ある種親近感をもって、今回再び読んでみたのであった。

1017首という大部の歌集である。えんえんと写生の歌がつづく。記録としてとどめておく歌というほどのものも多い。さらっと読むほかない歌も多い。つまり、取り上げて読後感を表現したいと思わせる歌は限られている、というのが正直な印象である。それはなぜであろうか?

私には、作品に内在する「吾」「わたし」のありかたと深くかかわっているように思われる。
例えばこんな作品がある。

 とことはの力を秘めてかぎろひの立ちたる海に波しづまりぬ

格調高い歌。しかし、わたしには結句の「波しづまりぬ」と言っている作者の客観的な意識が、けっきょくはのんびりしていると感じられてしまう。写生歌と言えども、作者の新鮮な意識、生きている証明としての意識がそこに詠われていないと、わたしにはもはや感動のある歌とは思えない。つまり、自我意識がのんびりしている歌、そんなふうに感じられ物足りないのである。
言葉としてみると、非の打ち所のない歌であってもである。

ただこれだけの数の歌がありながら、駄作がない。下手な歌がない。それは、言葉がとことん吟味されているゆえであり、茂吉の天才的な言葉に対する感覚のゆえであろう。驚くべきことであって、わたしには奇跡のようなものだ。どんなに歌の数が多かろうと、茂吉は自信を持って提出しているのであろうし、その雰囲気がある。

面白い歌、見所のある歌について、茂吉自身が巻末の後記で記している。
「漫然と気づいたものにこのやうな歌もあり、従来の歌に比して幾らか注意せらるべきものともおもふが、併しこれとても時がもつと経つて見なければならない。」
そう書いて、茂吉自身が後記に掲載した歌が10首ある。それらは、私自身も読みながら注意した歌であり、またその多くは土屋文明編「斎藤茂吉短歌合評」に取り上げられている歌でもあった。

 民族のエミグラチオはいにしへも国のさかひをつひに越えにき

延々と続く自然詠、写生の歌のなかで、この歌は独特の光を放っている。エミグラチオ、すなわちイミグレイション、移民である。時代は満州問題を白眉とする世相であった。
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by Achitetsu | 2007-10-24 07:32 | 歌集評

短歌とライブ2

短歌がライブとして成立するのか?

音楽と共に短歌を朗読することが、入場料をもらうライブとして成立するのか?それが、私の最初の自問であった。しかし、その自問も、初ライブに向けて行ったリハーサルの中で氷解して行った。

様々なアジャストメントを導入した。

他人の短歌ライブというものを一度も見たことがないのであるから、(そんな活動をしている歌人が居るかどうかも無知であって)挑戦である。まづ分かったのは、書き言葉としての短歌をそのまますべて朗読出来るものではない、という発見であった。

1首を2回読むのをライブの基本フォーマットとしたのであるが、プログラムとして書かれた短歌を渡すことはしないと決めていた。聞き手は2回だけ聞いて、理解するのである。歌集を手に持つこととは全く違うことをやってみたかった。

もうひとつは、聴衆はほとんどが短歌に始めて触れる人達であるという設定である。歌人の友人達には限られた人にしか知らせなかった。

このような条件のなかで、例えば日本語の特性として、音の同じ言葉がある。
「手に持つ」と「手荷物」は同じ音であって、前後の脈絡で聞き分けることになる。

読めば一目瞭然のことも、聞いただけでは分からないものは多い。
「ろうかいをさらすがごとき」
と聞いて、
「老醜をさらすがごとき」(注1)
とはなかなか分からない。

ルビを振るような難解な言葉は、聴き言葉では一層難しい。
「かわほりのごときがばっこし・・」
この句を聞いて分かる人は少ない。
かわほりは蝙蝠(コウモリ)の古語である。
「蝙蝠のごときが跋扈し・・」(注2)

古い時代の和歌は、極めて分かりやすい言葉で歌われていた。万葉集がその代表である。
その時代は、朗詠してそれを聴く、そういう文化が普通であったと考えられる。

現代は、歌集を読むという時代になっている。
そのなかで、聴いて分かる短歌を詠んでみたいと思ったのであった。
それも、短歌に触れたことの無い人たちを対向衆としてである。


(注1)
老醜をさらすがごとき文章を綴りて元校長はしたり顔なり
                         西勝 洋一 (短歌人)
(注2)
蝙蝠のごときが跋扈しパラソルとかろく弾みて呼ぶにはとほし
                         蒔田 さくら子 (短歌人)
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by Achitetsu | 2007-10-20 09:37 | 短歌論

短歌とライブ 1     長谷川知哲

ピアニストと打楽器奏者との出会いがあり、短歌ライブのグループを結成して、
都合10回ほどのライブコンサートを3人で行った。

初回は2006年10月であり、最後は2007年8月であったから、初回のリハーサルから数えておよそ1年間のライブ活動であった。どんな新しいことに挑戦したのか、観客の反応はどうであったのか、回を重ねるごとに変化はあったのか、短歌を朗読するという試みは短歌作歌者自身にどんな影響を与えたか、様々な問いが想起されるが、グループ解散後2ヶ月経ったいま、ここで一旦考えてみたい。

ぼくらのライブは、フルスペックでは50首の短歌の朗読を行い、一首一首にリハーサルの中で決めた音楽が付帯した。ピアニストの楽器はライブ会場によりピアノであるときも、キーボードであるときも、シンセサイザーであるときもあった。打楽器は、奏者が20から30種の打楽器を持参して演奏した。ライブの中では必ず、二人の奏者それぞれに、一度ないし二度のセミソロの場面を設定した。

途中に一度休憩が入って、およそ2時間のプログラムで構成され、ワインないしソフトドリンク付きで入場料¥1500と決めていた。この中から会場費やチラシ代を出したわけで、自分たちとしてはセミプロの意識でライブを行ったのである。10回のライブは、会場はおよそ小さな場所がほとんどであったが、おおむね定員いっぱいになった。

初回のライブはとくに思いで深い。

東京都国立市にある独特な土壁のギャラリーとして、口伝てによって巷間に高い評価を得ている、プランターコテッジが初ライブの会場であった。

ギャラリーは古いアパートを改造する形で、縄文時代とも、アイヌ文化の所産ともとれる、土着の雰囲気を豊かに湛えた、手塗りの分厚い土壁でできている。制作者は彫刻家の小池雅久。
小池は彫刻家というより、アメリカ式で言えばBuilderである。細工も建築も彫刻も左官も、一貫した思想として作り上げる才能を、アメリカではビルダーと呼ぶ。小池雅久とは4年ほど前に山形市での蔵の美術展で始めてあった。それ以来の縁である。
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by Achitetsu | 2007-10-18 15:32 | 短歌論